Renato Bruson es sin mucha duda uno de mis barítonos favoritos. Pocos, muy pocos barítonos de los últimos 35-40 años le han igualado (se me ocurre Matteo Manuguerra o Giorgio Zancanaro, ambos semiolvidados por las grandes firmas). Nobleza, elegancia innata, y legato para exportar, el Kraus de la cuerda baritonal, salvando las distancias. Maestro de la cuerda en belcanto, le ponemos en el debe, un registro agudo no lo suficientemente timbrado y cierta falta de arrojo en algún personaje verdiano. Un tio muy grande en resumen.

En sí, esta cosa que acabo de soltar, es para ofrecer al personal unos videos que ultimamente me tienen muy obsesionado.

El primero es un Macbeth desde Turín en el cual Bruson frasea y cincela cada frase con vocación de escultor. Qué gran caballero shakespereano fue Bruson!

Estos dos son la escena de muerte de Posa, se comentan solas. Dominio del fraseo y control del fiato de manual. Desde la Scala en el 78, en aquellas míticas funciones que también incluían a Domingo, Obraztsova y (sí) Nesterenko

Joan Sutherland canta  “O holy night“

Artista inconmensurable, cantante inteligente y protagonista de jugosísimas anecdotas, verdaderas o apócrifas, la gran Renata Scotto merece todo reconocimiento.

Nacida en 1934 en la bulliciosa Savona, debuta como cantante en la Navidad de 1952, cuando con el teatro completamente vendido debuta con uno de sus más famosos papeles, la Violetta de La Traviata. Poco tiempo despues debuta un papel que es suyo por derecho propio, la sufrida Cio Cio San de la Butterfly por la que recibe 25.000 liras de la epoca.

En 1953, la Scala de Milán esta audicionando jovenes sopranos para encarnar a Walter, el poeta y músico de La Wally de Catalani, la opera que abrirá la temporada milanesa en una producción dirigida por el mítico De Saba y realizada a mayor gloria de los no menos míticos Renata Tebaldi y Mario Del Mónaco. Scotto es escogida con amplia mayoria y se convierte en la gran triunfadora de las representaciones y con 15 salidas a saludar en la prima. (Tebaldi recibió solo 7!!)

Pero el hecho que marca para siempre la carrera de la Scotto será la renuncia de Maria Callas en 1957 a cantar una tercera función de La Sonnambula belliniana en Edimburgo, que obligará a la Scotto a sustituirla con un tremendo éxito.

Los años 60 son dorados para la Scotto. Si Callas tuvo a su Pippo, si Tebaldi tuvo a su Del Mónaco y Sutherland tuvo a su Pavarotti, Scotto tuvo a Alfredo Kraus. El gigante tenor canario fue en esos años 60 uno de los partenaires más habituales de la savonesa. Juntos cantan míticas funciones como esa Sonnambula prodigiosa de 1961 en la que Kraus y Scotto parezcan competir por quien sienta catedra antes, o esa maravillosa Lucia florentina, o ya en estudio con ese Rigoletto dirigido por Gavazzeni en el que Kraus esta asombroso, aunque Scotto esté un puntito por abajo con una visión algo aniñada de Gilda.

Pero no solo de San Alfredos vive Scotto, en estos 60, Scotto se codea con la creme de la creme de la tenorería. Obviemos una fallida Boheme junto a Poggi y Gobbi en la que ni ellos estan acertados y en la que la voz de Renata peca de ser demasiado ligera para Mimí y recordemos esa maravillosa Violetta que graba junto al recientemente desaparecido Gianni Raimondi. Graba uno de los mejores Rigolettos en estudio junto a Carlo Bergonzi y Dietrich Fischer-Dieskau, en la que su visión de Gilda ha cambiado y ya es más madura. Además se impone frente al asombroso canto verdiano de Bergonzi.

En 1965 debuta en una de sus casas, el MET neoyorkino con una Cio Cio San que despierta la admiración de la ciudad y pronto se convertirá en una de sus favoritas.

Graba junto a Birgit Nilsson y Franco Corelli una preciosa Liú en la mítica Turandot de EMI y nos lega por primera vez su Butterfly en estudio, en una maravillosa interpretación de cantactriz junto a un inspiradérrimo Carlo Bergonzi.

Lucia di Lammermoor fue uno de sus grandes papeles en los 60 y parte de los 70, cuando Scotto aún no estaba en aguas, digamos procelosas, y nos lega numerosas y particulares visiones de la loca escocesa con lujosos Edgardos como Carlo Bergonzi, en video desde Tokyo o Luciano Pavarotti.

Dos papeles más, uno al fin y al cabo es casi intrascendente dentro de la magnífica carrera de la Scotto, como es la  Giulietta de los Capuleti que canta junto a dos monstruos como son Jaume Aragall y Luciano Pavarotti. Con el otro papel sienta catedra absolutamente, la Adina del Elisir d’amor. La televisión italiana tuvo la maravillosa idea de grabar una de las representaciones  del Elisir que se ofrecieron en 1967 en Florencia con un reparto de campanillas, Scotto, Bergonzi, Taddei y en menos medida Carlo Cava. El video nos enseña la maravillosa capacidad dramática de la Scotto, que es capaz de mostrarnos los diferentes estados de ánimo de la caprichosa campesina, a Bergonzi, más limitado en el campo escenico, solo le hace falta cantar para enseñarnos su personaje. Taddei es un lujazo como Belcore. Unos años sesenta plenos y maravillosos.

En los años 70 la vocalidad de la Scotto cambia. En los 60 el registro agudo era desahogado pero no pleno. La Scotto nunca tuvo una voz bonita, siempre lastrada por un cariz metalico que a veces no es grato. Podríamos decir que era una lirico-ligera. En los años 70, el registro agudo se verá bastante mermado por el intento de ensanchar la voz hacia abajo para poder dar vida a otras heroínas. Así los papeles belcantistas o líricos irán progresivamente desapareciendo del repertorio de la Scotto a medida que los más liricos o spintos irán llegando.

Aún en los primeros setenta nos deja joyas en la historia de la opera como ese Faust japonés junto a Alfredo Kraus y Nicolai Ghiaurov. Pero más adelante irá debutando progresivamente papeles que en un principio no le van bien a su voz como la Elena de “Vespri Siciliani” en la que es sonoramente abucheada en presencia de la Callas, una buena Lady Macbeth de la que existe testimonio sonoro, Desdémona, que graba junto a Plácido Domingo en un notable Otello, la Magdalena de Coigny del Chenier, la Fidelia del Edgar junto a un notabilísimo Carlo Bergonzi. Aún con sus capacidades vocales más mermadas que en la decada anterior, y en gran parte por ello, Scotto se desenvuelve maravillosamente encima de las tablas, creando personajes con vida propia. Nunca una Suor Angelica sonó más veraz que la suya, o una Adriana Lecouvreur tan autentica (con un glorioso reparto que incluye a Aragall, Taddei y Obraztsova).

Su debut en la Norma de Bellini en el final de los 70 es acogido con tibieza e incluso en algún teatro es abucheada. Para un servidor, su Casta Diva es uno de los mejores de la discografía. Ciertamente es un rol que le va grande, pero dentro de sus posibilidades esta bastante bien. En estudio esta acompañada por una Adalgisa de excepción, Tatiana Troyanos. Igual de discreto fue su debut como  Gioconda, junto a Pavarotti, en unas funciones recordadas por los abucheos recibidos.

En los ochenta sigue igual de activa y nos regalará dos joyas más. Su atractivísima Mimí, con una maravillosa construcción dramática, tanto con Alfredo Kraus en estudio, como con Luciano Pavarotti en un live desde el MET y su personal y final Violetta que graba con Kraus y Bruson. Es de justicia decir lo apurada que va en el primer acto, pero Violetta no se construye solo en el primer acto, sino en el segundo y en el tercero, y es ahí donde la Scotto lo clava. Son muchos años los que lleva interpretando a la consumida cortesana y si su segundo acto es violento, su tercero es conmovedor.

Su Tosca con Levine es otro papel que le va grande, pero que la magia de la Scotto hace que esté a su medida. Para no olvidar es un gloriosa Musetta, también en un live desde el MET con el estupendo Rodolfo de Carreras.

En los años noventa su actividad no acaba, y debutará papeles tan dispares como la Mariscala del Rosenkavalier, o lo Klitemnestra de la Elektra. Su carrera como directora de escena empieza tan pronto como acaba la de cantante.

Siempre es un placer volver a la Scotto

Ya se que es tópico típico, pero es que hoy hace 31 años que se fue la Callas.

Franco Corelli dijo en el funeral de Mario del Mónaco: Aquí esta, el más grande entre todos nosotros…

Lo mismo pasó con Callas

Las discográficas regresan con novedades para la campaña de otoño-invierno

SÍ, la Bartoli vuelve a la carga, y ahora no será ni la embajadora de Vivaldi, ni la mesias de Salieri, ni la médium de la Malibran. Vuelve con un trabajo completo, vuelve con la belliniana “La sonnambula”. Y es esta “Sonnambula” una opera en boga actualmente, con un buen Elvino, Juandi Flórez que tiene su numerosísimo público y por el que los grandes teatros se pegan, pero quizá nos falle la Amina. Fallido el intento de Dessay de llevar la ópera al disco, con una toma en estudio que en absoluto le beneficia, veremos como funciona esta machada de Bartoli, que cantará la versión mezzo realizada para la Malibrán, que con tanto gusto cantó en su dia Frederica Von Stade. Le acompañan Juan Diego Flórez como Elvino e Ildebrando D’Arcangelo será el conde Rodolfo. La orquesta es la Scintilla, que ultimamente acompaña a Bartoli

La gran Fleming también vuelve. Muchos detractores tiene esta mujer, a mí particularmente me encanta, y van a rabiar mucho este otoño. Porque la Fleming se nos presenta con un nuevo disco, dedicado enteramente a Richard Strauss. Contiene las “cuatro últimas canciones”, escenas de la “Ariadne auf Naxos” de la “Die Agyptische Helena” y algún lieder. Guste o no, Fleming es uno de los mejores exponentes del actual canto straussiano, que vive buenos momentos para que negarlo. No hace mucho, nos regaló una maravillosa condesa en el “Capriccio” que recogió un dvd y ahora viene con este cd, dirigida por un experto como Christian Thielemann. No se vosotros, pero este cae fijo.

Anna Caterina Antonacci, ese estupendo híbrido entre soprano y mezzo vuelve en forma de DVD. Mucho se habló en su dia de la sensualísima Carmen que protagonizó en el Covent Garden bajo la batuta de Antonio Pappano, y eccola qua. Sin esperar mucho, ya la tenemos aquí. ¿Quién tiene a su lado? el últimamente archifamoso Jonas Kaufmann, que esta en plena grabación del Pinkerton con ATENCIÓN, Angelita Gheorghiu de Butterfly, la buena Nora Amsellem, la Violetta del Real, como Micaela y otra vez D’Arcangelo como Escamillo. Puesta en escena costumbrista, y que ayuda a realzar los, evidentes, atractivos físicos de todos los protagonistas.

Joan Sutherland, es uno de los fenomenos vocales más grandes del siglo XX, y una de esas cantantes que han escrito su nombre con letras de oro en la historia de la música y porqué no decirlo una de mis debilidades.

Mucho o poco, siempre más mal que bien, se ha hablado en este lugar sobre la figura de la australiana, pero nunca hemos entrado de lleno en una de las partes que cimentan la carrera de un cantante: su discografía, afortunadamente, para el bel canto y para los admiradores de la Stupenda, Sutherland tiene una de las discografías más prolíficas del siglo, y merece la pena ser revisitada

Los años 50

Los años 50 tienen un doble significado para Sutherland, por una parte encontramos sus “anni di galera” con sus incontables comprimarios en el Covent Garden, y por otra sus primeros pasos como solista y su primer gran triunfo internacional. A Sutherland podemos escucharla en esos incipientes 50, como la Sacerdotisa de “Aída” en la legendaria función londinense con Maria Callas y Giulietta Simionato o como la niñera y confidente de Norma, Clotilde, en la opera del mismo nombre y con dos cantantes de excepción, Callas y la gran Stignani, además de estar en el Anillo wagneriano que Kempe dirige a mitad de los 50. Pero Sutherland a mediados de los 50,  se ha hecho un nombre en la compañia, y sube de categoria, dejando atras a la sacerdotisa, para pasar a la protagonista, Aída, la Amelia del “Ballo in maschera” o la Desdemona del Otello, junto al gran Ramón Vinay.

El año 1959 es un de doble triunfo para Sutherland, por un lado, consigue junto a su ya marido Richard Bonynge, el papel de Lucia di Lammermoor en la producción que Zeffirelli esta creando y que dirige Tullio Serafin, consiguiendo ese gran éxito que le catapulta a la fama internacional y que la llevará a pasear su visión de la loca escocesa por todo el mundo, y es el año también en el que realiza su primera GRAN grabación, en la que vamos a centrarnos, ni más ni menos, que el Don Giovanni de Carlo Maria Giulini…

Se debe observar detenidamente el plantel de estrellas, mayores y menores, claro esta. El Don Giovanni del austriaco Eberhard Wachter, es de los que hacen afición, y es posiblemente uno de los más bellamente cantados dentro de la cuerda baritonal. Su dicción, clara y limpia, sus dotes actorales, necesarias para una opera con tantos recitativos y de tanta importancia como es Don Giovanni, pero sobre todo esa voz, calida y bella, juvenil, tan distinta de la resonante voz de Siepi. Su serenata esta perfectamente cantada, asi como la jodida ”aria dal vino”. Y por si fuera poco, nos ofrece un final de los que ya no se escuchan. El Leporello es uno de los más grandes, porque Giuseppe Taddei hacía bien, cualquier cosa, daba igua que fuera un verismo truculento, un Verdi paternal o terrible, un belcanto totalmente en estilo, y también era un perfecto Mozartiano, como nos evidencia aquí, y también en otros Mozarts, sus Bodas o su Cosí… Aquí nos presenta el perfecto Leporello, sin buffonadas pero manteniendo siempre una sonrisa, su Catálogo es de manual, asi de sencillo, pocos han conseguido igualar esto. Y luego tenemos a las damas, a la tita Lizzie Schwarzkopf en un papel que hizo suyo, Donna Elvira, y a la joven Sutherland, que sienta cátedra como Donna Anna. Empecemos con Schwarzkopf: ahora se le reprocha todo, que si voz pequeña, que si cursi, amanerada, que si estaba en el candelero por su matrimonio, que estaba por encima de otras cantantes con más medios… quesinoseque quesinosecuantos… Total, que una cantante de tres al cuarto. Elisabeth Schwarzkopf, a mí parecer, no es una de las mejores straussianas y mozartianas de todos los tiempos, sino LA liederista por excelencia, no creo que se igualen cotas a las que ella llegó con según que ciclos schubertianos y wolfianos. En esta Donna Elvira el paso del tiempo no se le nota demasiado a Elisabeth, y además es la Elvira, un papel más de mezzo que de soprano, que se adapta bien a la vocalidad de la alemana, con un registro agudo digamos, algo limitado por encima del do5, pero que tiene un centro cremoso y un grave suficiente. Y es un papel que ya tiene asumido, no hay visos de cursi con ganchillo en su Elvira, hay despecho, hay rabia, y esos “Ah, se ritrovo l’empio, e a me non torna ancor, vo’ farmen orrendo scempio, gli vo’ cavare il cor” de su primera aria, ya nos dicen el caracter. Rabia que se torna en amor en el II acto, estupenda la alemana. Y pasamos a la que nos compete, que es la Donna Anna de la Sutherland. Voz purísima, sin esa veladura que le confirió una dicción inteligible, y además con una estupenda, RARO RARÍSIMO, dicción italiana, amén de unos magnificos recitativos. Como delinea su primer aria, y el recitativo previo es una maravilla, de qué forma se adapta al estilo mozartiano en la coda final del I acto, y su maravilloso “Non mi dir” ejemplo de legato y acompañada de un fiato a prueba de bomba, no hay sobreagudos, no hay escalas, no hay trinos con los que la Sutherland pueda lucirse, es su voz, desnuda, paseando por el pentagrama mozartiano, con maestria, para aquellos que dicen que la Sutherland era solo registro agudo, que se tome la molestia de escuchar esta Anna magistral.

Dentro de lo pasable se encuentran una Graziella Sciutti, demasiado ñoña y azucarada para un papel de zorrón, como el de Zerlina (si me lees perdoname, querida) un Luigi Alva, que en sus tiempos lo petaba como rossiniano y mozartiano, pero con unas maneras que hoy nos resultan anticuadas, y no destaca mucho como el bobón Don Ottavio, si bien cumple con sus dos arias y los recitativos, y un Piero Cappuccilli, no esta mal como Masetto, pero se le nota la raiz verdiana, y no esta cómodo, eso sí, el gran Gottlob Frick esta imponente como Comendador, y que da mucho miedo coño ya.

La orquesta suena a las mil maravillas de la mano de un Giulini que encuentra el contrapunto perfecto, una dirección antológica

¿Soy yo, o es que Elena Mosuc se esta Gruberovizando a marchas forzadas?

El sobreagudo que cierra la cabaletta es totalmente Gruberova, asin mismo el fraseo

tengo dudas, padre…

pues eso, a ponerse morenas todas

nos vemos en septiembre

Volvemos a la carga con las peores grabaciones de la historia del disco, a los puristas les saldran llagas, cuando vean a la Callas, pero chico, hizo cagadas monumentales, y veremos alguna:

Empezamos dandole caña a la griega con este Rigoletto, uno de los peores de la historia del disco. Empezamos por ella, Callas esta empezando su decadencia cuando graba este Rigoletto, sus agudos suenan tirantísimos y estriados, y dañan al oido, además de tener una vocalidad muy por encima de la necesaria para Gilda, teniendo que constreñir la voz para aligerar la voz, y solo consigue un mal resultado. Además, su deje verista, empaña al dulce y melancólico personaje. Su “caro nome” es para rebanarse las orejas con un cuter y el mib5 de la vendetta es de idem

El protagonista de la ópera es Rigoletto, y aquí tenemos al inefable Tito Gobbi en el papel principal. Quizá podemos observar perfectamente en esta grabación porqué Gobbi estuvo tantísimo tiempo proscrito en los grandes templos italianos de la lírica, vease la Scala. Porque este Rigoletto es para cortarse la garganta. Veristoide a más no poder, en sí todos los Rigolettos de los 50 son veristoides pero del malo, con una indecente cantidad de notas ladradas, durezas, nasalidades y un vibrato incontrolado, amén de su terrorífica actuación, horror horror horror.

Y el tercero en discordia de Giuseppe di Stefano, y si Callas estaba iniciando la decadencia, Pippo ya estaba sumido en ella, principalmente por una tecnica muy deficiente y por un repertorio muy mal elegido. Su Duca, impresionante solo 6 años antes, esta sumido en el mal gusto y el feismo, no puede con la tesitura, los ataques al agudo son de acojonar, y su preciosísima voz, ha perdido el brillo y la belleza que tuvo, en sí un duca para olvidar.

Horrorosa grabación.

Y otra vez la Callas, sí, y dos años después del Rigoletto, la cosa no ha ido a mejor, al reves, el vibrato, esa respiración de la Callas, se ha ido haciendo cada vez mayor, y si el agudo ya era molesto entonces, lo de ahora es casi inaguantable, y fueron dias malos imagino, porque su Bolena scagliera del 57 es estupenda, y estamos en el mismo año. Pero es que Callas sufre más de la cuenta en su Turandot, no puede con ella, el personaje le puede, y su elevada tesitura también, Callas cantó sin mucho problema el papel en los finales de los 40, pero lo de ahora es terrorífico, muy mal

Eugenio Fernandi, un enorme, un GIGANTE enigma de la historia del disco, que hizo gran parte de su carrera al lado de la Callas, no entiendo como siendo ella LA CALLAS, se rodeó siempre de equipos tan mediocres, y es que Fernandi ganaría un premio en la mediocridad, no sobresale, es totalmente anodino, ahora, en las partes agudas del III acto, las pasa putísimas, mal muy mal

No se puede imaginar nadie, cuanto me jode meter a la gigante Elisabeth Schwarzkopf en una lista de horribles grabaciones, pero es que ELLA también esta mal. Ella es Liú, una Liú que parece la Condesa con un ataque de frigidez (aún más) Ñoña, amanerada, poco idiomática: Tita Lizbeth: ¿porqué?. Tienes una discografía inmaculada, y una pequeña mancha, pero es que no, tita, esta Liú no.

Zaccaria es cumplidor, y hace las veces de Timur, pero como podría haberlo hecho de Mandarino o de rita la pollera, da igual. Serafin puede con la marea, y eso para una Turandot ya es bastante

Que se queden tranquilos los puristas, aquí la Callas esta ESPLENDIDA y nos ofrece su personalísima visión de Lucia, una Callas jóven, es el 53, con una voz que aún le respondia y que dominaba, y sin ser aún el personaje, cuando Callas era aún la soprano griega que asombraba al mundo, sus sobreagudos impresionan y su concepción del personaje, es la más profunda, hasta que llegó Sills.

Pero dejemos lo bueno, porque el resto, pasa de lo mediocre, Pippo, a lo malo, Arié, a lo suicida, Gobbi. Pippo, aún estaba en buenas condiciones, aunque había perdido muchísimo. Solo hace falta escuchar sus Lucias anteriores, para ver, cuanta belleza, cuanto colorido ha perdido Pippo, no obstante no es desdeñable lo que nos muestra aquí, y aunque siempre parece el Compare Turiddu, siempre por encima de la elegante linea belcantista que el personaje ofrece, salva con dignidad el papel.

Lo peor llega con Gobbi, que es como el cartero que te llama dos veces, que horror, no hay palabras para expresar a los niveles de verguenza que llega Gobbi aquí, y como tampoco tengo muchas ganas de ponerme a rememorar los horrores que comete el Tito aquí, podemos decir una cosa: simplemente, uno de los peores, si no el peor Enrico de la historia del disco de estudio

Arié es un horroroso Raimondo, terrible

Tardaba demasiado en aparecer la gran Mara por estos lares, y mira que se lo merece. Otro enigma de la historia del disco, y de los teatros, porque señores, después de lo que hace en esta Fanciulla, en la Scala BRAVEAN, después de su infernal Lady Macbeth berlinesa, la gente se rompe las manos a aplaudir, y te preguntas ¿hemos oido lo mismo? ¿soy yo que me ha abandonado el desodorante y el oido o es que esta gente aplaude hasta al que limpia la moqueta? Siempre he pensado que lo segundo, porque en esa Viena donde braveaban hasta el delirio a la Zampieri, hoy lo hacen a Villazón, algo oscuro hay. Pero centremonos en esta Fanciulla, editada en DVD no hace mucho por cierto. Tenemos a Zampieri como Minnie, la cantinera que al final se lia con Dick, y bueno, la cosa no se hace muy pesada hasta que sale ella, pese al llorón y a los coros scaglieros, que no transmiten absolutamente nada, se supone que en esa escena se debe crear un clima de empatía entre el coro, el pobre muchacho que quiere irse con mamá y el público, pero no lo consiguen, ¿tendrá la culpa un destajista como Maazel? puede. Centremonos en Zampieri, que entra destempelada y chillona, qué novedad, y que a medida que pasa el tiempo, crispa y crispa, hasta llegar al summun de la crispación en la escena en la que se juega a las cartas con el cherif Rance la vida de Dick, donde la paciente Minnie se convierte en una górgona, Zampieri es una górgona siempre, dan ganas de que Rance saque la escopeta y se cargue a todos. Qué horror. Imaginen las subidas al la4 y al si4 que perpetra aquí Mara. Al final cuando dicen lo de “Addio California” estas pensando en si se perderá la Mara por la montaña nevada, y lo deseas mucho.

Plácido Domingo es Dick, y es quizá el que sale mejor parado, busquen en DVD una Fanciulla del West grabada hace más de 5 años, y traten de encontrar una en la que no salga Plácido. Las tiene de todos los colores, en el MET con Milnes, en Londres con la Nebblett y Carrolli y esta Fanciulla Scagliera. Y no hay más, verdaderamente, Fanciulla es una gran opera maltratada, con una magnífica orquestación. Domingo esta como esta Domingo en un verismo más o menos controlado, en su salsa, no le pongas a hacer un Bellini, o un Verdi quasi belcantista, pero en el verismo, maripurimeteprimera y tira palante, verdaderamente esta mejor en su Or son sei mesi, que en el Ch’ella mi creda, donde las subidas al agudo le quedan estranguladas, y se nos ajoga, pero bueno, Plácido, es lo menos malo de la versión.

Joan Pons, definitivamente no puedo con este hombre, no tiene voz de bajo, no tiene voz de baritono, esta acartonado, y encima aquí hace un Rance escenica y visualmente malo. Rance debe de dar miedo, a Minnie y al espectador, Pons no lo consigue y hace una quasi caricatura del personaje, en su escena de las cartas, compite con Mara por ver quien lo hace peor. Mal, mal de verdad

La producción del dvd es bastante corrientucha, se deja ver, y la dirección de Maazel, el hombre que salía tocando el violín en el anuncio de Freixenet, tampoco dejará mucha huella